まうかめ堂日記ダイジェスト

がむとさんに触発されて、Canonici 写本(Bodleian, MS Canonici misc. 213)に載っている Richard Loqueville の曲をちょこちょこ見ていたら、掲載されている6曲(ロンドー4曲、バラード1曲、Gloria 1曲)のちょっとした MIDI と手書きの transcription ができてしまいました。

シャンソンの方は記譜の上では非常に簡単で、わざわざ現代譜に直すまでもないものばかりで、とても Matteo da Perugia と同時代人(死んだ年が同じ)とは思えない明解な作りになっていますが、これはとても興味深いですね。

後年 Dufay が(あるいは Binchois も？) refine して頻繁に用いるような手法が胞芽的な形で見えるのです。カラレーションやシンコペーションの使いかたとか補完的なコントラ・テノールとか…。

それは別に驚くようなことではなくて、10代の Dufay が音楽を習っていた Cambrai の大聖堂で教えてた人が Loqueville その人なわけで、影響関係は非常に明らかなわけです。

しかし、Loqueville の作品を見ていると、単に「影響を与えた」というレベルにとどまるものではなくて、初期 Dufay のシャンソンに関しては、この人が下地を作ってしまったぐらいのことが言えるかもしれません。

つまり Loqueville 的な作風が初期 Dufay のシャンソン作法のベースになっていて、そこに例えば Ciconia の影響が入るみたいに理解すると理解しやすいのかもしれないと思ったりします。

ただここで今「 Loqueville 的な作風」と言ったものがどのくらい当時一般的だったのかは気になるところですね。おそらくこれは Loqueville 固有のものではないはずですが、これは他の実例を沢山見ないとわかりません。

面白いのは、「同じ」非(or 反)Ars subtilior 的 simple style であっても、Loqueville と Ciconia では全然違うということですね。(そもそも比較すべきでないかもしれないですが…。)

この辺をもっとよく調べれば、誰が Dufay を産んだのか(あるいは誰がルネサンス音楽を産んだのか)のストーリーが描けるのでしょうね。
(こういうのって専門家がよく調べてるはずですが、残念ながら私のところまで聞こえてきません…。)



まあ、何やらつらつらと書いてしまいましたが、基本的に今は Loqueville の MIDI などは up しない方向で…。
でも Gloria だけ、ここに置いてみます。

Loqueville: Gloria

こういう華やかな Gloria って流行ってたんでしょうか？
こちらはちょっと Ciconia を連想させますね。

昨日、投稿した Richard Loqueville についての一文にいつもお世話になってるお二人が興味深いコメントを付けて下さいました。(しかも投稿からあまり間をあけずに…。)

これに答えようと思ったら長くなりそうだったので新たに一つの記事にしました。

> ティンクトーリスなどがロクヴィル世代に、
> デュファイ世代が取って代わったといっているのは、
> やっぱり明らかにイギリス音楽の影響を受けた後の
> デュファイ音楽なんでしょうね。

イギリス音楽の影響が３度という音程の多用であるとするならば、ロクヴィルも十分その影響下にあると思います。実際、昨日 up した Gloria では３度の平行進行が多用されますし、Tenor と別の声部が３度音程をロンガで持続させてる上をもう一つの声部が旋律を歌うなんてこともしています。

ではロクヴィルとデュファイでは何が違うのか、ティンクトリスは一体何を弁別していたのか、については、「古楽のすすめ」で金澤正剛先生が述べている説が説得力があると思います。

しかし単に三度を多用しただけでは充分ではない。実は三度を用いることによって、和音の性格が明確となり、複数の和音どうしの関係にも、より密接な結びつきが感じられるようになる。つまり、どの和音の次にどの和音が続くと、より効果的な響きの変化が感じられるか、ということに音楽家たちが気がついたということである。それはとりもなおさず近代的なハーモニーの目覚めに他ならない。

ロクヴィルや初期デュファイでは三度音程は頻出するがそれは充分に「和声的」でない…しかしデュファイは中期にいたる過程でおそらくは意識的に「和声感覚」へ目覚めていった、ということなのではないかと思われます。
そして、この「近代的なハーモニー」の萌芽が、ティンクトリスの言うところの「甘美な響き」ではなかろうか、と金澤先生は述べています。

Gloria のような宗教曲でなく、世俗シャンソンで、Canonici 写本に収められているロクヴィルとデュファイを見比べてみるととても面白いと思います。デュファイの方がはるかに多彩ですが、ある部分、ある曲では非常に似通っている感じがします。昨日もちらっと言いましたが、似通っているというより、ロクヴィルの方が原型的であるという気がします。(その距離感は Dufay と例えば Hugo de Lantin との隔たりなんかとは全く異るものに思います。)

※実は、世俗シャンソンの方の MIDI を up しなかったのは、一つには、「まうかめ堂」の MIDI で印象を濁らせてしまうのは悪いかな、という大きなお世話的な理由からでした。

> ロクヴィルの様式はブルゴーニュ公国のフィリップ・ル・ボン
> の好みのような気がします。

なるほど、このような視点は私にはあまりありませんでしたね。

ということはアヴィニヨンのパトロンはあの複雑怪奇な作風が好みだったということになるのでしょうか？（笑）

何度も言っていますが、先日、ヴォーカル・アンサンブル・カペラの定期公演(2005年1月3日、聖アンセルモ・カトリック目黒教会にて)に行ってまいりました。(プログラムはなんとマショーのノートル・ダム・ミサ！でした。)

ちょっと間があいてしまいましたが、一応感想を言うことになっていたので簡単に述べさせていただきたいと思います。

まずは、国内で、あるいは生で、本格的なノートル・ダム・ミサの演奏が聴けたことを喜びたいと思います。(私が生で聴いたこの曲の演奏の中ではいまのところ一番良いものだったと思います。特に、数年前、さる有名なバッハの演奏団体がこの曲をとりあげているのを聴きにいったことがありますが、こちらはカペラの1.5倍弱のチケット代を取っていたにもかかわらずだいぶ良くなかった記憶があります。)

しかしながら、手放しで絶賛できる演奏だったかと言われると、そうとも言いきれないように思われる部分もあります。その点について少し述べさせていただきたいと思います。

カペラの歌唱法は、ちょっと奇妙に聞こえるかもしれませんが、ある種日本的というべきか、とてもしっとりしたウェットな印象があります。というのは音が鳴り出してからそれが充実した響きに成長するまでに一定の時間を要する歌い方をしています。

これは例えば80年代後半以降のヒリアード・アンサンブルなどにも見られる歌唱法に通じるものと思いますが、複数の息の長い旋律が絡みあいながどこまでも協和していくフランドル楽派の音楽には時として威力を発揮するものだと思います。しかし、ホケトゥスとシンコペーションのノートル・ダム・ミサに対しては単純に考えて不利に働くのではないかと予想できます。

そこで、このあたりどのように歌うのかということについて大きな興味を持って会場に行ったのですが、どうもそのことを気にかけてる様子はあまり感じられませんでした。そして、実際に、全曲中最も盛り上がり華麗である部分の一つであるグローリアのアーメン・コーラスの部分などでは、ぶっちゃけ何をやってるのか良くわからない時間がありました。これは、石造りの大聖堂に近い、鉄筋コンクリートの建物の、長い、というか、包みこむような残響のせいとは言いきれないと思いました。

(まあ、でもこれは、私が構造を明確にすような演奏を偏愛してるからこういう感想が出てくる、というのはおおいにありますが…。でも、Ensemble Gilles Binchois の演奏なんかを聞くとこういう柔らかい歌い方でもホケトゥスを美しく聞かせることは不可能でなさそうに思えるのですが、どうなのでしょうか？)

そして演奏自体についても、ベースとなってる技量はわが国トップレベルと言って間違いない団体なのでうまいのですが、どうも今一つ音楽に乗りきれてないような印象が最初から最後まであったのは残念です。もちろん近代音楽をやるみたいに過度にドラマチックになるのは変ですが、あまり禁欲的なのもどうかと思います。

そのせいか、しばしば下行音型などの音楽が緩む方向に行く部分で、トリプルムの音程が下がり気味になるのがだいぶ気になりました。私は、声楽団体に機械のように正確なピッチを求める人ではないですし、音楽が十分に動いていれば多少の「狂い」は気にならないものだと思いますが、それがやはり気になったというのは、本当に停滞気味だったのかもしれません。

そんな風に若干煮え切らないものを感じながら、Ite missa est まで終え、その後、アンコールのデュファイの Ave regina coelorum が始まったら、まさに水を得た魚のようにポリフォニーが動き出しました。これを耳にしたときは、「やっぱりカペラってこうだよね」と思うと同時に、中世音楽ファンとしてだいぶ複雑な心境になりました。「マショーはぎりぎり専門外？」とも思いました。

カペラの実力からすれば、この日の演奏の2倍良い演奏ができると思います。もし今後、5年後でも10年後でも、再びこの曲を取り上げることがあったなら(是非そうしてほしいです)、デュファイやジョスカンやラ・リューの演奏に匹敵するようなものになってほしいと思います。

さて、音楽監督の花井哲郎氏がプログラム・ノートにも書かれていることで、この日の演奏に関して面白いと思った部分を二つ紹介したいと思います。

一つ目は Kyrie です。
周知の通り Kyrie eleison を三回、 Chiriste eleison を三回、再び Kyrie eleison を三回唱えることになっています。
素直に考えてノートル・ダム・ミサにおいても対応する回数だけ繰り返すことになるわけですが(正確には最後の Kyrie だけは直前のものと異ります)、多くの演奏では冗長さを避けるためかグレゴリオ聖歌を差し挟んだりします。しかし、この日の演奏では全ての繰り返しをマショーの音楽でやりました。(しかもちゃんと毎回微妙にニュアンスを変えてます。)これは非常に面白かったです。まうかめ堂でも将来的に使わせていただこうと思いました（笑）。

もう一つはグローリアとクレドのマクシマです。
この両曲において、当時の最長の音価であるマクシマを用いることで特に強調されてる部分が四ヶ所あるそうです。そのうち、ex Maria viegine と二回の Jesu Christe を強調することはどの演奏でもやられていることですが、グローリア冒頭の Et in terra pax をこれほど引き伸ばしてみせた演奏はなかなか無かったのではないでしょうか。これはとても新鮮でした。

感想は以上です。

昨日、がむとさんからホケトゥスに関してコメントがありました。

> (そういえばマショー以後のホケトゥスはどうなっているのでしょう)

マショー以後ということで、すぐに思いつくのは Ars subtilior ではソラージュあたりでしょうか。
彼は世俗シャンソンしか残してませんし、マショーほど凝ったものはないけれども結構わかりやすいホケトゥスを使ってますね。

他にも Ars subtilior の曲には、クロスリズムの、複雑な、ホケトゥスと言ってよいのかわからないようなものは沢山みつかるのではないかと思います。

また、マショー並に巧妙なホケトゥスを用いた人としてチコーニアが挙げられると思います。彼の幾つかのモテトゥスにおける華麗なポリフォニーは驚嘆すべきものではないかと思います。

それで結局いつごろまで用いられたのかということについては、前にコピーしておいたニューグローヴの「ホケトゥス」の項を見てみたら、「ホケトゥス(の技法)は、新しい作曲の概念が生まれ、それが時代遅れで不適切と見なされる1400年頃まで滅びることはなかった」、とあるので、そうなのでしょう。

さらに、「最終的に、15世紀初頭にイタリアの作曲家とイタリアの影響を受けた作曲家による作品(例えばチコニア、セザリス、グレノンの作品やデュファイの<ラッパを伴うグロリア Gloria ad modum tubae>)では、ホケトゥスの技法は模倣的な交唱に姿を変えている。」とあります。

この辺は Canonici 写本で確認できそうですね。実際、この箇所で引用されてる曲がセザリスのモテトゥス A virtutis/Ergo beata/Benedicta という曲でこれは Canonici 写本にのってます。

このセザリスの曲や「ラッパのグロリア」についてはホケトゥスと呼ぶのは多少抵抗あるかもしれないけどチコーニアはいいんじゃないかという気もします。

まあ、ホケトゥスの定義によりますが…。


それから、まうかめ堂的に面白いのが、ホケトゥス的な技法を用いた作品を書いた20世紀の作曲家として言及されているのが、ウェーベルン、フェルドマン、バビット、ケージであることです。

バビットにはそういう例がすぐに見付かりそうですが、フェルドマンとケージはよくわかりません。しかし！ウェーベルンは違うでしょう。

いや、でもやっぱりずるい書きかたしてますね。
「ホケトゥスに類似した技法はアフリカ音楽にも確認されており、休止と沈黙は、ウェーベルン、フェルドマン、バビット、ケージら、現代の作曲家たちによる作品でも有効に使われている。」

「休止と沈黙は」という言葉だけで、ホケトゥスからずいぶん離れたところまで飛躍しちゃってます。こういうの、ほんとに誤解を招くと思うんですが…。


そう Theatre of Voices の、その名も 'Hoquetus' というディスクのヒリアーによる解説にも現代作曲家の名が挙げられています。

'More recently the technique has been reactivated by composers such as Gyorgy Ligeti, Conlon Nancarrow, Steve Reich, Kevin Volans, and Louis Andriessen...'

こちらはだいぶ納得がいきます。

でも、どちらの記述でも、一番に名前が挙がってきてよさそうなストラヴィンスキーが入ってないのは何故なんでしょうね？

(ストラヴィンスキーと中世音楽のあまりの類似点にまうかめ堂が心底びっくりしたという話はいずれどこかに書きたいと思います、)

先日 Myoushin さんから、タヴァナー・コンソートのノートル・ダム・ミサの話が出たので少しこの曲のディスクの話をしたいと思います。

ノートル・ダム・ミサは、グレゴリオ聖歌を除けば、最も有名な中世音楽なので、星の数ほど録音があります。したがって、とても全体を把握しきれるものではないですが、私の知っている録音で他人に勧めるとしたら、次の二枚です。

1.Machaut: Messe de Nostre Dame, Taverner Consort & Choir - Andrew Parrott, Virgin Veritas 89982

2.Messe de Notre Dame de Guillaume de Machaut, Ensemble Gilles Binchois - Dominique Vellard, Cantus 9624

1.は件のタヴァナー・コンソートですが、1983年録音という20年前のものです。もとはLPだったようですが、Virgin からCD化されて出ていました。現在はそれも廃盤か在庫切れのようですが、Virgin の VERITAS Edition ということなので、待っていれば再発される可能性は結構あるのではないかと思います。

このディスクは、この曲を用いて14世紀の Reims の大聖堂で行われていたであろうミサの再現を目論でおり、ブックレットには教会の見取り図にソリストの立ち位置や合唱団の場所、マイクの設置場所などが書きこまれています。また、通常文のマショーのポリフォニー以外の固有文の部分をグレゴリオ聖歌で歌いそれを録音するというやり方は、このディスクが最初なのではないでしょうか？(この辺、私は詳しくないのどなたか御存知の方いらっしゃったら教えて下さい。)

さてこの演奏ですが、マショーのポリフォニー部分については、当時隆盛を誇っていた英国式ア・カペラ古楽の一つの成果とでも言えるものではないかと思います。4声のポリフォニーを4人で歌っています。このうち Roger Covey-Crump と Paul Hillier はヒリアード・アンサンブルの主力メンバーでもありますね。

そう、この演奏は英国のトップ歌手が、その持てる技術力を存分に発揮して、力技で歌いきったという感じの演奏です。テンポはかなり速く、歌唱法は輪郭のはっきりした、きわめて器楽的な演奏です。これだけくっきりしていればホケトゥスやシンコペーションの構造自体の面白さが聴こえるのはある意味当然かもしれません。もちろんそれを裏打ちする音楽理解や技量は必要と思いますが…。この演奏は、それを本当にやりきっているところが凄いです。

(でも、この数年後に録音されたヒリアードの演奏は、似たアプローチだけどあまり奮いませんでしたね。録音の悪さでもちょっと損をしてますし。)

またグレゴリオ聖歌の部分では、鐘の音が入ってたり、ソリストがマイクと反対を向いて祭壇の方に向かって朗唱してるさまがそのまま録音されていて、そのライヴ感がとても良いですね。

一方、2.のアンサンブル・ジル・バンショアの演奏は、1.より7年後の1990年に録音されたものですが、これの対極にあるというか、1.のアンチテーゼのような演奏です。

いや、そもそもアンサンブル・ジル・バンショアの演奏はその全てが、80年代に一世を風靡した「英国式ア・カペラ古楽」に対するアンチテーゼに聴こえるのですが、これについてその背景から述べようとするとだいぶかかるのでこれについては日を改めることにします。

これについて書くかどうか迷っていたのですが少し書きます。先月末に Claude Hellfer が亡くなりました。

非常に残念です。

ブーレーズの第三ソナタが完成する前にその弾き手が失われたことになります。(というかブーレーズは完成させる気あるのでしょうか？)

Helffer vs Boulez
Helffer vs Xenakis
Helffer vs Schoenberg
Helffer vs Bartok
Helffer vs Debussy
Helffer vs Ravel

日本では「ラモーからブーレーズまで」というキャッチフレーズで売られてたみたいですが、私的にはまず第一に、尊敬すべき20世紀音楽の弾き手でした。

私が最初に Helffer の演奏を耳にしたのはまだ高校生のころで、ブーレーズのソナタ集のディスクを通じてでした。

これを機にこのディスクを聞きなおしてみたのですが、やはりこれはブーレーズのソナタに関しての必須アイテムですね。
第一、第三ソナタについては私の知るかぎり最良の録音だと思います。
(第二ソナタに関しては、どうして「正確に」弾かなかったのか謎ですが、この点においてポリーニに一歩譲る気がします。)

私も若いころは第一第二ソナタみたいな、ブーレーズの若いころ(21とか23とかですよ！)の作品に魅力を感じていたのですが、今聴くと第三が異様に面白いですね。(意外なところで年を感じてしまいました(泣)。)

ケージの影響というか、ケージがちゃぶ台をひっくりかえすようなことをやってしまったあおりを受けて、「偶然性」を突き付けられることになったブーレーズが、初めて本格的に取り組んだ演奏者の選択によって形を変えうる流動的な構造を持った作品で、しかも計画だけ詳しくたてておきながら着手から50年に届こうという現在にも未だ完成してない、というものです。

ともするとその「可変性」にのみ目が行きがちかもしれませんが、こうやって響きに耳を傾むけてみると、音の厚みや密度、音域、装飾的な動き、など様々な要素が、どうやら非常に巧妙に配分されているらしいということに気付きます。

これはちょっと詳細に楽譜を調べてみたくなる作品ですね。そして、もし未完のまま終わることになったら惜しすぎる作品です。

しかも、多少中世音楽になじむようになった今となって見ると、五つの部分(formant)に付けられたタイトルがイカしてます。

A. Antiphonie
B. Trope
C. Constellation ou Constellation-mirroir
D. Strophe
E. Sequence

……

そういえば Helffer の話をしてたのでした。

実は20世紀の終わりに、とある地方都市で、Helffer の演奏を至近距離(せいぜい５メートル以内)で聴くという希有な体験をさせてもらったことがあります。

なかなか CD なんかで聴くのとは大違いなわけで、とくに印象にのこっているのは、フォルテ、フォルティッシモの打鍵がものすごく強い(ダイナミックレンジが広い！)のに音が壊れることなく届いてくることと、どんな複雑な音響、和音も鮮明に驚くほど透明にクリアーに聴こえてくることでした。

逆に、この経験の後は、CD を聴いても、「ここは本当はこういう響きなんだろうな」、と想像力が自動的に動きだすようになってしまいました。